cosmic romantic

jörg hasheider  //  alexine chanel

vernissage: freitag, 14/10/2016 19:00-22:00
finissage: sonntag, 16/10/2016 17:00-20:00

hochparterre berlin   
prinzessinnenstraße 7, U8 moritzplatz

jörg hasheider will be showing material paintings, including his latest work: “pretty pressure dance". alexine chanel will stage a participative photoshooting event, “vanishing point” on the 14th. there will be three sessions, between 20:00 and 21:30. the images thus produced will be visible during the finissage on the 16th.

Den Protagonisten der deutschen und der englischen, „schwarzen“ Romantik gemein ist ihr Drang, sich dem Dasein absolut hinzugeben. 
In den Momenten höchster Hingabe - an die Liebe, an die Natur - 
lauert höchste Gefahr: der Wahnsinn und der Tod. 
Die in der romantischen Bewegung geprägten Narrative sind bis heute virulent und treten mit der anscheinend zunehmenden Entschärfung der Risiken unseres Daseins in Konflikt. Partnervermittlungen versichern die Liebe, technologischer, medizinischer Fortschritt versichert das Leben. 
Die Ausstellung „cosmic romantic“ sucht nach Spuren und Bildern 
romantischer Sehnsucht im zeitgenössischen Weltbild, zwischen Bindungsangst und dunkler Materie.  

The protagonists of german and english "black" romanticism have in common their desire to unite existence with absolute surrender. In the throws of the deepest devotion -to love, to nature- lurks great danger: madness and death. 
The narratives embraced by the romantic movement are still virulent today. They come into conflict with the ostensible increase in defusing the perception of our existential perils. Dating Agencies promise love, technological and medical progress insure an improved life expectancy. 
The exhibition “cosmic romantic” seeks for traces and images 
of romantic yearning in the contemporary worldview, between fear of intimacy and dark matter.





friday, the 24th of JUNE

at kirchenraum der herrnhuter brüder und schwestern
kirchgasse 14–17 
12043 berlin   
U7 karl-marx-straße 

the installation may be viewed during
48 stunden neukölln, das kunstfestival
24-26 june 2016 
between 10:00 and 22:00
and until june 30 by appointment





friday, the 24th of JUNE

at kirchenraum der herrnhuter brüder und schwestern
kirchgasse 14–17 
12043 berlin   
U7 karl-marx-straße 

the installation may be viewed during
48 stunden neukölln, das kunstfestival
24-26 june 2016 
between 10:00 and 22:00
and until june 30 by appointment




private view: friday, the 24th of JUNE

at kirchenraum der herrnhuter brüder und schwestern
kirchgasse 14–17 
12043 berlin   
U7 karl-marx-straße 

is a wide-scale installation
presented for the first time 
at the kind invitation of 

the installation may be viewed during 
48 stunden neukölln, das kunstfestival
24-26 june 2016 

SPINNING JENNY 2000 is a wide scale installation planned in the Bruder Gemeinde, on a surface of around 16 meter by 11 meter. It will be show there for the first time as part of and in response to the art festival “48 Sunden Neukölln” whose theme for 2016 is “SATT”, as is surabondance, excess, glut, mass consumerism.
The installation consists of a large volume of white cotton gloves (around 1000 pairs) manufactured in Bangladesh, which are hung as so many pennants on yards and yards of string, ironically reminding one of national holidays and fêtes (Feiertage).
“Spinning Jenny” is a machine that was invented during the industrial revo- lution. The device reduced the amount of work needed to produce yarn, with a worker able to work eight or more spools at once. This grew to 120 as tech- nology advanced. This seems an adept reference to the thousands of workers, invisible and remote, whom make our garments in Bangldesh or China or other countries where labor is cheap thus ennables huge profits on a mass scale for wide-distribution fashion megabrands such as H&M and all of the “big” names of cheap outfitters.
The objective of this project is to bring the public attention to the persons behind the fashionable garments offered in wide-distribution fashion estab- lishments, reminding the consumers of the origins of the word “fashion”: from Latin factio(n-), from facere ‘do, make’, which implies a maker behind each item of clothing; to help end-users realise someone else on the other end of the chain is paying for the cheap T-shirts we buy.

The installation SPINNING JENNY 2000 is part of a wider project, “APPAREIL”, and Günter Nest’s project “HABITAT FORUM BERLIN” and more precisely the theme: “ARBEITER-INNEN VERLASSEN DIE TEXTILFABRIK* – LOKALE UND GLOBALE VERFLECHTUNGEN DER TEXTILPRODUKTION IN BANGLADESCH / LOCAL AND GLOBAL INTER-RELATIONS OF TEX- TILE PRODUCTION IN BANGLADESH”, which analyses the conditions of the workers in the textile industry, a commercial enterprise that links the “rich north” and the “poor south” with each and every transaction it entails.

Project APPAREIL and SPINNING JENNY 2000 concentrates their focal point on the humanity and existence of the workers of the Dhaka factories by means of a re- search into the phenomenon of anonymisation in the global economy and through this multinational industry; and the consequent discrepancy it creates in lo- cal economic markets. The project seeks to reopen the consumers eyes onto the existence, away from the consumer’s gaze, of the “makers” of any bought garment available for sale and immediate purchase on the western consumer shelves. It seeks to make these hidden hands present again to us, and once more connected with heads and bodies, to summon up the individuals threaded behind the seams.
The idea of anonymity is suitably embodied by the white gloves, an item that protect from leaving fingerprints behind, yet made on an industrial scale by thou- sands of invisible hands belonging to “anyones”, or even to “no-ones”, thousands of kilometres away.

The object “white glove” is therefore the proposed vector of investigation into the condition of of the textile workers in Dhaka, a process which starts on the internet, making the purchase of 100 dozen pairs of cotton gloves made in Ban- gladesh, the minimum amount for a BULK purchase.
A purchase over the internet seems an ideal illustration of the phenomena of anonymisation of the consumers as well as the sellers, and the further mystifica- tion of the innitial “makers” at the begining of the production line. It is as if the product fell out of the sky, magic and shiny, and object made by many and consummed collectively by many, like the great cathedrals of the middl-ages. In- ternet is the phenomena of anonymisation and glogablisation at its paroxysm and is therefore the chosen means of purchase of the item “white glove”. 





 i am happy to announce the opening of TRUE MIRROR
this coming friday in paris,
an exhibition concept 
i had the pleasure to concoct with my friends 
laurence egloff, alexandra noat-dumestre, raphael renaud, 
katarina ziemke,  and damien cadio! 
mickael faure and jörg hasheider wrote supporting texts about the show, 
both must-reads! for those of you in paris, do come along this friday.






the following artists are exhibiting 
and re-exhibiting:

 1  Régine Kolle / Jeanne Susplugas
                        2  Ulrich Hakel / Danielle Gutman
 3  Laurence Egloff / Ulrich Hakel
 4  Andy Holtin / Hervé Ic
 5  Nathalie Piernaz / Eric Corne
 6  Donatella Dior / Heike Kelter 
 7  Mireille Blanc / Mélanie Delattre-Vogt
 8  Emmanuelle Castellan / Gabriel Jones 
 9  Edouard Boyer / Gfeller&Hellsgard
10  Eric Corne / Alex Tennigkeit
11  Heike Kelter / Laurence Egloff
12  Gabriel Jones / Mireille Blanc
13  Alex Tennigkeit / Jung-Yeun Jang
14  Katharina Ziemke / Marion Auburtin
15  Pascal Frament / Andy Holtin
16  Corinne Laroche / Régine Kolle
17  Mélanie Delattre-Vogt / Pauline Bazignan 
18  Marion Auburtin / Katharina Ziemke
19  Jorg Hasheider / Corinne Laroche 
20  Maxime Touratier / Roselyne Titaud
21  Evgenija Wassilew / Monika Goetz
22  Sara-Lena Maierhofer / Eva Nielsen
23  Cécile Dupaquier / Sara-Lena Maierhofer
24  Alexine Chanel / Anne-Laure Sacriste
25  Arnaud Devaux / Inken Reinert
26  Roselyne Titaud / Raphaël Renaud
27  Inken Reinert / Alexine Chanel
28  Alexandra Noat / Luzia Simons
29  Axel Pahlavi / Céline Berger
30  Gfeller&Hellsgard / Marie Lepetit 
31  Thomas Levy-Lasne / Frank Eickhoff
32  Florence Obrecht /Donatella Dior
33  Alice Sfintesco / Emily Beer
34  Isabel Duperray / Cécile Dupaquier 
35  Luzia Simons / Maude Maris
36  Raphaël Renaud / Florence Obrecht
37  Emily Beer / Alice Sfintesco
38  Marie Lepetit / Evgenija Wassilew
39  Anne-Laure Sacriste / Benjamin L. Aman
40  Damien Cadio / Tim Plamper
41  Maude Maris / Emmanuelle Castellan
42  Romain Bernini / Damien Cadio
43  Frank Eickhoff / Chloé Julien
44  Jung-Yeun Jang / Arnaud Devaux
45  Danielle Gutman / Miguel Marajo
46  Chloé Julien / Alexandra Noat
47  Betty Böhm / Anke Becker
48  Monika Goetz / Jorg Hasheider
49  Anke Becker / Axel Pahlavi
50  Pauline Bazignan / Edouard Boyer
51  Tim Plamper / Maxime Touratier
52  Benjamin L. Aman / Pascal Frament
53  Miguel Marajo / Thomas Levy-Lasne
54  Jeanne Susplugas / Isabel Duperray
55  Hervé Ic / Emilie Benoist
56  Céline Berger / Nathalie Piernaz
57  Emilie Benoist / Romain Bernini
58  Eva Nielsen / Betty Böhm

On the 8th of April 2016, an extraordinary art event, True Mirror, takes place in Paris. The event is collectively organised by artists Laurence Egloff, Alexine Chanel, Alexandra Noat, Raphaël Renaud, Katharina Ziemke, Damien Cadiot as well as Mickaël Faure,curator of Versailles Art School. The whole group appeared as a snowball. An artist invited another one to contribute his or her work to the group collection. Altogether, a group of 58 artists from all over the world  who were going to participate in the event was created

The 58 works were shown to the artists so that each of them could choose one and then copy it. The choice of the medium was free, yet the initial format had to be followed. 

The works that were copied, interpreted, and reflected on were presented to the artists without giving away the identity of the work. No information about the artists’ creative and academic background was revealed either. The works were completely decontextualised.

The related images were hung on the longitudinal walls one in front of the other in a symmetrical way in the exhibition hall.

That creates an effect of a mirror, but not in its physically reflecting sense.

2 500 years ago, the Etruscans perceived the mirror as an instrument of philosophical and religious cognition of the unknown world whose phenomena they might not always explain. They engraved mythological scenes on the bronze surfaceplacing them in an intricate order, which showed how fascinatingly impressive natural phenomena were and they themselves as perceived through the spiritual prism of their own eyes. Hence, the mirror was regarded as a mystical dimension in those days.
Since the Renaissance, the perception of physical phenomena has changed due to scientific progress. More precisely, mirrors started to be seen merely as optical instruments.

As experiments with mirrors continued, Claude Lorrain (1600 – 1682) developed a mirror which was slightly convex. That mirror inspired him to create his idealistic landscapes. Subsequently, at the height of the Enlightenment, it became popular with aristocracy who roamed around the outskirts of their estates in search of picturesque views.

Returning to our exhibition, through the opposition between the original and the copy, True Mirror exposes another vision of the world, creates another kind of mirror by contrasting the Etruscan mirror conception with the materialist approach that coincide in form of quotation-based and, consequently, epistemological postmodern culture.

Even a copy, being close to the original in terms of the structure and material, needs a soul and physical acquisition, a spiritual flow of an artist who produces the copy. Consequently, the works copied by the artists appeared to the surface of the world as a form of its contemplation and search of forms depicting its reality perceived subjectively. 

True Mirror reflects the reflection of the reflection. 

The surfaces are the horizons of soul penetration and the formal realisation. The visitor travels from wall to wall between the horizons. 

Through the effect of doubling creative processes while determining the image, the work is transformed into another one of a similar type. That makes the visitor experience the complexity and diversity of the artist’s creativity and impressions. 

The Etruscan mirrors of our age are particle accelerators and space-telescopes. The reflections appearing there reproduce the empirical knowledge about the unexplained as yet physical space.

The exhibition True Mirror reveals epistemological possibilities and borders through the reflection in imagination.

Jörg Hasheider


Am 8. April 2016 wird in dem Espace Commines in Paris das außergewöhnliche Ausstellungsprojekt „True Mirror“ gezeigt. Die Ausstellung wurde von den  Künstlern Laurence Egloff,  Alexine Chanel, Alexandra Noat, Raphaël Renaud, Katharina Ziemke, Damien Cadiot und dem Kurator Mickael Faure kollektiv organisiert. In einem Schneeballsystem – Künstler laden Künstler ein die wiederum Künstler einladen - entstand eine Gruppe von 58 internationalen Teilnehmern die Werke einreichten.

Dieser Pool von 58 Arbeiten wurde den teilnehmenden Künstlern mit der Aufforderung ein Werk auszuwählen und zu kopieren zugänglich gemacht.
Die Wahl der Medien war frei. Das Format der Vorgabe mußte eingehalten werden.

Die zu kopierenden, zu interpretierenden, zu reflektierenden Werke wurden ohne Angabe des Titels und des Künstlers präsentiert. Den Künstlern standen keine Informationen über das weitere Oevre oder theoretische und biografische Hintergründe zur Verfügung. Die Werke wurden dekontextualisiert.

Im Ausstellungsraum der Galerie werden die auf dieser Grundlage entstandenen Bildpaare an den achsensymetrischen Längswänden jeweils gegenüberliegend präsentiert.

Der Spiegel der hier in Erscheinung tritt ist nicht physikalischer, abbildender Natur.

Als die Etrusker vor 2500 Jahren den Spiegel als Instrument naturphilosophischer, religiöser Betrachtungen entdeckten, ordneten sie das auf den polierten Bronzeflächen erscheinende Abbild in die Reihe rätselhafter Naturphänomene ein. Das eigene Abbild erschien in einem als göttlich empfundenen unbekannten physikalischen Raum.  

Mit dem Fortschreiten der Naturwissenschaften seit der Renaissance änderte sich die Wahrnehmung physikalischer Phänomene. Spiegel wurden optische Instrumente.

Claude Lorrain (1600 – 1682) entwickelte einen leicht konvexen Spiegel, mit dessen Hilfe er Motive für seine idealisierten Landschaftsgemälde suchte. Zur Hochzeit der Aufklärung durchstreiften Aristokraten mit solchen Claude-Spiegeln Landschaften auf der Suche nach „picturesquen“ Ausschnitten.

Die Ausstellung „True Mirror“ vermittelt in ihrer Gegenüberstellung von Original und Kopie eine andere Form der Reflektion von Welt, in einer anderen Form von Spiegel.

Selbst die punkt-und materialgetreue Kopie eines Werkes erfordert eine geistige und körperliche Aneignung, einen Durchlauf durch das Selbst des kopierenden Künstlers.

Auch durchbrechen die den „Kopisten“ entgegentretenden Werke die Oberfläche der Welt als Erscheinung auf der Suche nach darstellbaren Formen subjektiver, „wahrer“ Welterfahrung.

True Mirror reflektiert die Reflektion der Reflektion. 

Die Oberflächen sind Horizonte geistiger Durchdringung und formaler Umsetzung.

Zwischen diesen Horizonten bewegt sich der Betrachter von Wand zu Wand.

In der Doppelung der kreativen Prozesse im Rahmen einer Bildfindung, der Transformation eines Bildes in ein Anderes gleicher Art, erfährt er die Komplexität und Vielfalt künstlerischer Produktion und Reflektion.

Die etruskischen Spiegel unserer Zeit sind Teilchenbeschleuniger und Weltraumteleskope. Die in Ihnen erscheinenden Abbilder spiegeln den Stand empirischer Forschung in einem nach wie vor rätselhaften physikalischen Raum.

„True Mirror“ zeigt epistemologische Möglichkeiten und Grenzen in einem wahren Spiegel der Imagination.

Jörg Hasheider


De tous les mensonges, c’est l'art qui est le moins faux.
Gustave Flaubert

Plus de 50 artistes résidant en Allemagne ou en France sont invités par six autres (Laurence Egloff, Alexine Chanel, Alexandra Noat, Raphaël Renaud, Katharina Ziemke, Damien Cadiot) + un allié parisien (Mickaël Faure), à contribuer à l’exposition True Mirror.

Au total, 58 artistes produisent une œuvre, sans spécification préalable de médium ni de technique à employer, d’un format maximal de 56 x 45 cm (format « valise cabine », par commodité d’acheminement vers le lieu d’exposition, Paris). 58 œuvres en deux dimensions – ou trois : les artistes peuvent sortir du plan ou du cadre. Une image de l’œuvre est adressée par chacun au bureau berlinois de True Mirror, puis une présentation globale du corpus est renvoyée à tous, sous forme de dossier rassemblant les 58 travaux. Ni nom, ni indication supplémentaire en légende des œuvres : seuls un numéro et les dimensions sont précisés.

Puis les artistes sont invités à participer à la deuxième phase du projet : choisir l’un des travaux (en « oubliant » le leur) pour en effectuer... un True Mirror. Un double ? (Reflet, pastiche, imitation...) Une interprétation ? (Extension, exagération, extrapolation...) Une mire (où viser) ? Un mirage (où s’abymer) ? Un reflet (où voir ou se voir et se reformuler) ? Ce qui est sûr : True Mirror invite chacun à reproduire – à produire à nouveau – autrement, une œuvre d’un autre artiste. Et les participants créent ainsi, à leur manière, une œuvre d’une autre manière (et inversement).
Cette deuxième étape franchie, 58 œuvres nouvelles viennent s’ajouter, sous forme de vrais miroirs, aux 58 œuvres initialement proposées, doubles originaux d’œuvres originales...

La troisième phase du projet est celle de l’exposition : les 7, 8 et 9 avril 2016, Espace Commines, à Paris, une présentation réunit, en un accrochage parfaitement symétrique, sur deux murs se faisant face (se fixant ?), le corpus initial et sa version reflétée.
True Mirror révèle la question du regard et y joint celle de l’appropriation. L’attention se concentre sur la façon dont une œuvre est transformée dans le regard le l’autre, celui d’un artiste qui l’interprète. Ici il n’est pas question de copie, il ne s’agit aucunement de recréer une œuvre existante. C’est bien le champ de l’interprétation et de la référenciation qui est examiné.
Et puis... Sans mention de noms dans l’exposition, quel est l’original ? Quel est son miroir ? Et quelle est la nature de telle proposition, dont rien ne dit s’il s’agit de l’œuvre première ou de sa version re-produite ? Par ailleurs, comment voir et comprendre l’œuvre de ces artistes dont l’identité reste cachée et la façon dont leur travail s’inscrit dans un cheminement et une production globale ?
Présentation anonyme et dissolution de signature (« Je est un autre » ou cet autre là, qui m’avise, me reflète, me révèle quasi), production sans titre mais co-produite, co-construite.

True Mirror pousse la forme jusqu’au bout : la vente des œuvres exposées – originaux et doubles, vrais reflets, façons d’avatars artistiques – sans signature : à l’aveugle. Disparition de l’auteur, décontextualisation des œuvres, négation de la cote et marché penaud, sans doute, car interdit. A moins qu’il y regarde à deux fois.

Mickaël Faure MARSINPARIS, février 2016